用户名:
密码:
登录
注册
忘记密码
我要投稿
查看
□ 您的位置:环球雅葵艺术网 >> 扬声器 >> 艺评撷英 >> 附庸风雅与艺术欣赏
艺评撷英
附庸风雅与艺术欣赏
作者:范景中 发表时间:2012-7-29 13:09:50 阅读:368

  我所选的题目可以分为两个部分来讲,先讲艺术欣赏的问题。因为对于艺术研究者,尽管他们的理论和方法可以五花八门,但他们的一个初始问题却大都是一个基本的常识性问题,即作品的质量问题。也就是我们平常所经常问的问题:这幅画好不好?为什么说它是件杰作?或者为什么说这位艺术家是大师? 

  为了进一步地阐明这个问题,也许回溯一下历史是有益的。我将从历史中分别选出一位理论家、一位历史学家和一位鉴定家来从不同的方面考察这个问题。现在就让我们从中国的21世纪回到西方的17世纪,从法兰西17世纪一个著名的批评家德·皮勒(roger de piles)讲起。他研究过一幅画或者说一个艺术家怎么样才能说是杰出的,怎么样才能说是大师。他想出了一个办法,制定了一张表——一张给著名画家的绘画水平从各个方面打分的表,他称之为画家的天平;他从四个方面打分,第一个方面是构图,第二个方面是素描,第三个方面是色彩,第四个方面是表现,每个方面最高分为20分。从打分的结果评判出哪些画家应该排在前面,从而判定他们的艺术地位。收录在这张表中的画家一共56位。按照画家姓名的字母顺序排列,第一个是阿尔巴尼(albani),他是16世纪文艺复兴后期意大利的一个画家,他的构图14分,素描14分,色彩10分,表现6分;第二个是阿尔布雷希特·丢勒(albrecht dürer),构图8分,素描10分,色彩10分,表现8分;第三个是安德烈亚·德尔·萨尔托(andrea del sarto),这个画家现在不太提了,可是在17世纪他是一位名气仍然非常大的文艺复兴时期意大利画家,他的构图12分,素描16分,色彩9分,表现8分。从这三位a开头的画家来看,我们现在心目中的大师——丢勒的分是最低的。文艺复兴的三杰当然也被纳入这个表格,我们看一看他们的分数:达·芬奇,构图15分,素描16分,色彩4分,表现14分,尽管色彩是整个表中最低的,总分还比较高;米开朗琪罗,构图8分,素描17分,色彩4分,表现8分,这个分数平均下来是低的,这也符合米开朗琪罗自己的说法,他说我是雕塑家,不是画家,尽管他画了著名的西斯廷天顶画;拉斐尔,构图17分,素描18分,色彩12分,表现18分,这是整个表格中最高的。构图打了18分的还有两位,一个是鲁本斯,还有一个我们大家可能不太熟悉,叫圭尔奇诺(guercino)。色彩打18分的也还有两个,乔尔乔内和提香,鲁本斯是17分。素描和表现打18分的只有拉斐尔一个。我从里面抽出将近十个画家,可以看出皮勒对于一个画家是好还是不好,或者说一幅画它的卓越性表现在什么地方,已经给出了一个方法,就是把绘画的要素抽离出来给予评分。从分数当中我们可以看到,拉斐尔为什么在17世纪被称为“绘画王子”,他在著名的批评家心目当中所占据的最高地位。提到这一点是因为在后面我们从史的角度上还要再作交代:拉斐尔的地位为什么降低了。另外我们也可以看出来,当时在17世纪发生过的一场争论,这就是在绘画当中究竟是素描重要还是色彩重要,从皮勒给出的分数来看,皮勒是倾向于色彩的。为什么这样说,我们注意到鲁本斯的构图是18分,色彩是17分,打得特别高,他的素描是13分,表现是17分,仅次于拉斐尔排在第二。恰巧皮勒也是一个研究鲁本斯的专家,他写过关于鲁本斯的专著,鲁本斯在他心目中的地位可想而知。这场争论早已时过境迁,可能已被大家遗忘了。但是我通过公布这些分数提醒大家注意,17世纪有过这样一场争论,这是非常重要的一场争论。由于皮勒是站在色彩的角度上,所以他给乔尔乔内和提香——如果把文艺复兴分成两派,素描派由佛罗伦萨代表,色彩派由威尼斯代表的话——他对于威尼斯画派的画家给的分数特别高。

  除了这些趣味史的问题之外,德·皮勒这种从绘画中抽取四种要素打分的做法,可以说下意识地提出了我们在谈论绘画时所碰到的一个困难,即我们的工具是由分立性的词语所组成的语句,而我们所谈论的对象却是连续性的画面。为了解决这个困难,他不得不把连续的画面变成分立之物,把一个统一体拆成零件。而当他这样去拆碎七宝楼台的时候,画面的复杂性和微妙性,例如素描和色彩的关系也就荡然无存了。当然,我们对于绘画的反应要微妙得多、复杂得多,我下面还要讲。如果他确实意识到这个困难,意识到了这是由于语言这种工具本身所造成的,那么他也许不得不承认,绘画的世界也像自然的世界一样具备某种程度的复杂性,其中存在着我们的谈论工具(或描述工具)还无法谈论的关系。因此,实质上等于承认自己的打分失效。实际上,关于这种打分,他也确实说过这样的话,他说:“我这样做与其说是消遣,倒不如说是为了把别人吸引到我的观点上来。人们在这个问题上的观点太不一致,无法决定谁是唯一正确的。”

  以上所谈的是一位批评家,下面再谈一位美术史家。谈美术形式,谈美术欣赏,凡是熟悉美术史的人自然而然会想到一位大师——沃尔夫林。沃尔夫林研究艺术的语言,他用五对概念来谈绘画,甚至来谈雕塑和建筑。这五对概念中最重要的一对,跟上面提到的素描和色彩的争论有历史的关联,这就是线描和涂绘(或块面)。他还用这对概念来统摄其他几对,它们是开放和封闭、平面和深度、统一和多样、明晰和朦胧,等等。他运用这五对概念来谈艺术品的形式,这对后来产生了很大的影响,在西方学习美术史几乎都要学习它们。为什么呢?因为你可以根据这五对概念来对作品进行分析。但是,沃尔夫林设定这五对概念,从实质上却并不能回答一件作品的杰出与否。而实际上他是要用这五对有关概念来回答古典和巴罗克的分界问题。例如按照他的成对概念,法国著名大教堂12世纪的沙特尔主教堂的立面具有早期阶段或者古典阶段的特征,因为它是线性的,是由易于辨认的平面和封闭的形式组成的,具有易于识别的个别成分和明晰感;而卢昂的15世纪末的圣马克卢教堂的立面具有巴罗克阶段的特征,因为它是块面的,由许多连锁的平面和开放的形式构成,细节过多,以致必须把它理解为一个整体,它给人一种朦胧的感觉。再如,达·芬奇的杰作《最后的晚餐》,按照沃尔夫林的说法,可以和伦勃朗的蚀刻画《以马忤斯的午餐》进行对比,即明晰和朦胧的对比,而这也是沃尔夫林的对比中最“朦胧”的一处。

  沃尔夫林为了讲清楚这些对比,还在课堂上引入了使用两架幻灯机的讲解形式分析的方法。尽管我们从他的这一工具箱中能找到一些形式分析的概念,这些概念也无疑帮助我们看到了一些我们可能会忽视的东西。但平心而论,我们却无法使用他的工具去揭示作品何以成为杰作的奥秘。尽管人们称他为形式分析的大师,但是听听下面的一段逸事或许还是有教益的。沃尔夫林卸任的时候,他的接任者是研究中世纪的专家戈尔德施密特(adolph goldschmidt),他给一个讨论班上课的时候用一幅荷兰的风景画投射到屏幕上作为开场。他问学生,你们从这幅画当中看到了什么?一个学生说,看到了一条水平线和两条垂直线交叉。戈尔德施密特知道这是沃尔夫林上课的结果,他就特别文雅地回答说,对不起,我看到的不只这些。

(来源:环球雅葵艺术网)